Michael Somoroff es un artista multimedia, director, fotógrafo, profesor y destacado estratega de la comunicación, que desde 1980 ha dirigido proyectos; creado nuevos modos de interacción; asesorado campañas y elaborado contenidos aclamados por la crítica para empresas del Fortune 500, agencias de publicidad, medios de comunicación, museos e instituciones de todo el mundo. Ha cooperado con centros educativos y culturales, siendo actualmente artista residente en el Wyss Translational Center, en asociación con la Universidad de Zúrich y la ETH de Zúrich. También es profesor y ponente, habiendo colaborado con State University of New York, Stony Brook, University of the Arts, Filadelfia, Pensilvania, la Rothko Chapel, Houston, Texas, The International Center of Photography y the School of Visual Arts de Nueva York entre otras.

La obra de Somoroff está y ha estado presente en museos, ferias de arte y exposiciones nacionales e internacionales, a lo que hay que sumar la publicación de cinco libros propios además de colaborador en otros muchos; la escritora Elisabeth Bard llegó a definirle en el New York Times como “un encuentro entre Madison Avenue y el Renacimiento Italiano”.

En el sector de la publicidad se le reconoce como uno de los mejores directores comerciales de su tiempo, contribuyendo regularmente en importantes spots publicitarios y trabajando, durante años, la imagen de empresas que buscan mejorar su identidad de marca. Fue uno de los primeros artistas que exhibió directamente en la Piazza San Marco de Venecia con motivo de La Biennale de 2011, además de estar presente en colecciones internacionales como las del Museum of Modern Art de Nueva York, el Hirshorn Museum, el Smithsonian Institution de Washington DC y el Museo Correr de Venecia.

Primeros años y carrera

Michael Somoroff, hijo del eminente fotógrafo de producto y naturalezas muertas  Ben Somoroff, nació en Nueva York en plena época dorada del diseño editorial y la fotografía analógica; lo que Milton Glaser denominó como “A Moment”. Su padre es considerado, junto con Irving Penn, una de las figuras más importantes de la fotografía americana de “still life”. 

Muchos consideran a Ben Somoroff como el primer realizador audiovisual serio de producto, lo que se conoce como “tabletop” director. Como alumno del legendario director artístico Alexey Brodovitch en el Pennsylvania Museum of Industrial Art (ahora the University of the Arts), Ben Somoroff introdujo a Michael a una edad temprana en la filosofía revolucionaria y culturalmente fundacional de Brodovitch, que definía el trabajo creativo como parte del proceso de autorrealización, y que influyó en toda una generación de fotógrafos, artistas y diseñadores. Con el tiempo, se convertiría en la filosofía fundamental de todos los ámbitos de la expresión artística cultural durante la segunda mitad del siglo XX, con su inherente exigencia de autenticidad.

Alexey Brodovitch como influencia dominante 

Junto con otros estudiantes de la generación de Ben Somoroff, como Richard Avedon, Irving Penn, Robert Frank, Arnold Newman, Lillian Bassman, Hiro, Louis Faurer, Ben Rose, Art Kane, Frank Zachary, Henry Wolf, Steve Frankfurt y muchos más, Ben animó a su hijo a crear imágenes inesperadas y a superar los límites de las formas convencionales de pensamiento y visión; una práctica por la que Michael ha adquirido gran notoriedad. 

Brodovitch instaba a sus alumnos a que le asombraran con algo nuevo: “…show me something I haven’t seen before. Astonish me!””. Con esa influencia creó así una importante fase de experimentación e innovación en los medios de comunicación estadounidenses, que se extendería por todo el mundo. La filosofía de Brodovitch sigue siendo una fuerza dominante incluso hoy en día en todos los ámbitos de la producción cultural, al hacer de la exigencia de autenticidad un requisito previo a cualquier esfuerzo artístico consistente. Esta fue la fuerza motriz a lo largo de las carreras de ambos Somoroff, lo que les convierte en un acontecimiento bigeneracional único desde el punto de vista de la historia del arte y en uno de los estudios más longevos de la era “Mad Men” de la producción fotográfica, editorial y publicitaria. 

Michael continúa con su práctica artística conectada de forma única con los fundamentos del arte del siglo XX y la resolución de problemas de comunicación.

El inicio de la vida profesional: Nueva York

A medida que aumentaba su destreza técnica, el joven Somoroff trabajaba a menudo para muchos de los colegas de sus padres y acabó ganándose una importante reputación que le llevó a frecuentar a los fotógrafos Ben Rose, Sol Mednick, Louis Faurer, Melvin Sokolsky, Art Kane, Herman Landsoff, Andre Kertesz y Sid Kaplin. Estas y otras muchas asociaciones están documentadas en el libro “A Moment. Master Photographers: Portraits by Michael Somoroff“, publicado por Damiani en 2012. 

Tras el éxito de su primera gran exposición estableció su propio estudio y colaboró regularmente con publicaciones tanto estadounidenses como europeas de la talla de Stern, Elle Francia, Vogue, Life, , Harper’s Bazaar, Der Spiegel, Esquire, Zeit y Time, además de trabajar para agencias de publicidad internacionales. Sus retratos, desnudos y naturalezas muertas han obtenido un seguimiento mundial y han recibido elogios de la crítica. En 1980, Michael se trasladó a Europa en búsqueda de nuevos desafíos.

Dirección cinematográfica

Siguiendo los pasos de su padre, pionero de los spot publicitarios, Michael da el paso al audiovisual llegando a ganar varios premios en el Cannes Lions International Festival of Creativity. 

Su carrera como director comercial se inició oficialmente en Londres con la famosa productora Directors Studio, creada por Jim Baker, donde se consolidaron los cimientos de la industria de la producción publicitaria transformando a fotógrafos comerciales en directores. Junto con la introducción a la producción cinematográfica que le dio su padre, Michael desarrolló inicialmente sus dotes de director bajo la tutela de directores más veteranos y consumados de Londres, como Lester Bookbinder, colega de su padre y compañero de Brodovitch. 

Muy solicitado por sus singulares dotes de iluminación y composición, Somoroff comenzó a dirigir películas principalmente poco después de regresar a los Estados Unidos a principios de 1989, invitado por el legendario ejecutivo de Columbia Pictures George Cooney, CEO de EUE Screen Gems. Michael se asoció con la recién creada D&H Macguffin Films LTD poco después de que la empresa se reorganizara como la actual Macguffin Films LTD, donde permaneció como socio senior hasta 2015.

Michael Somoroff, codiciado por su capacidad conceptual única, su sentido de la compensación y su técnica de iluminación, ha tenido un impacto significativo en la industria de la producción comercial, en particular en el ámbito de tabletop/audiovisual de producto. Se le reconoce su papel en el establecimiento de la estética de las imágenes de alimentos y bebidas en la publicidad así como en la dirección, siendo pionero en la realización de spots a cámara lenta y en la fotografía de primeros planos. Ha trabajado con grandes marcas de todo el mundo, como Asahi, Diageo, Unilever, Pepsi, Burger King o Procter and Gamble y es conocido por crear conceptos visuales especialmente eficaces para las ventas y por su capacidad para analizar e identificar obstáculos que impidan conectar a las personas con el mensaje y/o producto, ofreciendo soluciones prácticas.

El mundo del arte

Además de su carrera como fotógrafo y director, Somoroff también tiene una ganada fama en el mundo del arte. Reconocido por su enfoque único en la creación de contenidos y su uso de philosophical “signifiers” para formar nuevas estructuras de comunicación, ha tenido grandes exitos tanto en las Bellas Artes como en el Arte Publicitario y es notorio por difuminar la separación entre ambas. Sus trabajaos están enfocados en la creación de todas las formas de riqueza y espiritualidad, desarrollandose como un “arquitecto de la realidad” y un experto en crear sistemas de comunicación que promueven la creación de una comunidad sostenible. 

En un artículo publicado en la sección “Arts and Leisure” del Sunday New York Times, el autor describía el enfoque de Somoroff en la creación de contenidos dotados con “grandes presupuestos, amplios equipos, herramientas de alta tecnología y como un artista-gestor que se siente igual de cómodo tanto en los ambientes corporativos como en las galerías de arte de Chelsea en Nueva York”. El Times añadió: “Puede que los conocimientos técnicos y los instintos visuales del Sr. Somoroff procedan de sus antecedentes comerciales, pero el centro de su arte siempre ha sido la indagación espiritual y filosófica.” El director de exposiciones del Aldrich Museum, Richard Klein, al comentar la obra de Somoroff, dijo: “El artista como empresario es un modelo que se está imponiendo”. John Lee, de Bravin/Lee projects, Chelsea, New York, dijo: ”Él (Michael Somoroff) va a utilizar todos los medios posibles para convencer al espectador”. 

Somoroff estudió religión y filosofía en Jerusalén (Israel) durante más de dos décadas y ha publicado libros sobre el tema.

Proyectos seleccionados

The Vegetable Series, ICP 1979

La primera gran exposición de Michael Somoroff en un museo tuvo lugar en el International Center for Photography de Nueva York en 1979. La exhibición se tituló “The Vegetable Series” y fue organizada bajo la dirección de Cornell Cape y William A. Ewing y atrajo la atención de Richard Avedon y Yasuhiro Wakabayashi (HIRO), que actuaron como mentores del joven fotógrafo. La exhibición fue muy aclamada y reseñada en el New York Times por Suzanne Slesin, que presentó al entonces joven fotógrafo novel de 21 años al mundo afirmando: “Su madre era modelo, su padre un conocido fotógrafo de still life  y a los 19 años Michael ya había abierto su propio estudio”. Tras el éxito de la exhibición, Somoroff recibió numerosos encargos editoriales y publicitarios de importantes revistas internacionales.

Matriz de sensaciones, Donald Kuspit, 2004

Illumination I en la Rothko Chapel, 2006

En 2006, Somoroff fue invitado por la Rothko Chapel de Houston, Texas, para crear una instalación a gran escala al aire libre, Illumination I. Fue la primera invitación de este tipo realizada por la Capilla, y la única instalación desde que se colocara allí el Broken Obelisk de Barnett Newman unos treinta años antes. 

Iluminación I, una escultura de 12 toneladas (más de 6 metros de altura) de “luz traducida” a un rastro de vectores, realizada mediante programas informáticos que utilizan la fotografía como plataforma. Es la interpretación escultórica del rastro de luz que cae a través de las ruinas de una mezquita mixta, una reliquia virtual de la guerra de Irak. Somoroff encontró su inspiración en su propia experiencia en la Rothko Chapel: Imaginó la capilla como un escenario metafísico en el que los acontecimientos de cualquier lugar se despliegan en el horizonte y en la matriz de la eternidad. Tomando elementos de fotografías y utilizando el plano original de la capilla como base, utilizó un programa de animación en 3-D para crear un espacio sagrado virtual: su propia “mezquita mixta”. 

Esta pieza fue innovadora al extender la fotografía al ámbito de la escultura y la realidad virtual; la primera en hacerlo. Se trata de un rayo de luz congelado capturado tal y como caería por la ventana de ese espacio no real. Como escribió el historiador de arte David Anfam en el catálogo de la exposición: “El proyecto de Somoroff renueva el esfuerzo artístico de Rothko que, en pocas palabras, buscaba combinar la inmediatez perceptiva con la importancia espiritual”, lo que conecta con las palabras del propio Rothko al terminar los cuadros de la capilla: “Quería pintar tanto lo finito como lo infinito”.

“Illumination I es una obra muy ambiciosa. Su escala es grande físicamente, por supuesto, pero también lo es en todos los elementos dispares que pretende combinar: escultura, arquitectura, fresco y vídeo. Y las aspiraciones temáticas son aún mayores: política, derechos humanos, espiritualidad, sacralidad, humanismo. Es como una gran ópera…”

Christopher Rothko, hijo de Mark Rothko

Illumination en Bravin/Lee Programs, Chelsea, Nueva York, 2007

En 2007, Illumination también se expuso como videoinstalación ambiental en BravinLee Programs, Chelsea, Nueva York. La muestra de video arte de BravinLee incluía cinco proyecciones digitales y el primer proyector de lente única en una instalación inmersiva en vídeo 3D y sonido envolvente, que utilizaba vídeo-tecnología de alta definición. 

Instalada en un pabellón construido específicamente a lo largo de 1500 metros en la planta baja de la galería. La pieza central era la animación de una mezquita virtual, proyectada en una pantalla curva de 280 grados y 14 metros. 

Esta version de llumination, una de las primeras de su género; es una síntesis de cine, vídeo, animación por ordenador de alta definición y fotografía. Estos componentes, experimentados en conjunto, creaban un entorno arquitectónico profundamente espiritual y disruptivo.

“…las creaciones sin precedentes de Michael Somoroff, que pueden considerarse, tanto por separado como agrupadas, revolucionarias y desafiantes. Cada obra genera una experiencia de inmersión total realizada mediante la aplicación de tecnologías inventadas. Cada una de ellas refleja la pasión del artista por la luz y su provocador uso como medio real y virtual, para un vídeo que es escultura y una escultura que es arquitectura. Se trata de una experiencia de conversión que tal vez tenga lugar una vez en la vida, pero que ojalá perdure para siempre: cambiará radicalmente nuestra perspectiva de la vida, nuestra actitud básica ante la propia vida así como con la de otros seres humanos“.

Per Contra

Generali 2005

En 2005, el Dr. Walter Thiessen, Consejero Delegado de Generali, invitó personalmente a Somoroff a crear obras de arte para la sede central de la empresa en Colonia, Alemania. Somoroff, que siempre ha desdibujado las fronteras entre el arte y el comercio, es conocido por su provocadora búsqueda del derribo de muros entre el puro arte y el arte comercial. Como resultado, Thiessen le contrató directamente como artista, director creativo y estratega de la comunicación, para crear todo un programa de reeducación y comunicación dirigido específicamente a estimular la productividad de la empresa. 

Somoroff produjo dos publicaciones internas: la primera, un análisis exhaustivo del logotipo corporativo, la historia de su desarrollo y su realineamiento con la marca, “El poder simbólico del arte y la corporación”; la segunda, un libro de formación específicamente diseñado para la alta dirección y el departamento de ventas titulado “Crear riqueza compartiendo”. 

Somoroff participó como consultor en la construcción de la sede central alemana para garantizar que se convirtiera en un entorno visualmente estimulante, que fomentara el pensamiento creativo y la innovación por parte de todo el personal de Generali. Se le encargó específicamente la creación e instalación de obras de arte a gran escala, así como la colaboración directa con el CEO, para crear piezas menores en todas las oficinas de la empresa. Desarrolló proyectos especificos aprovechando el arte como forma de interacción con el público y los trabajadores, para así integrarlos y estimular el crecimiento; la creación de una colección de arte y una instalación itinerante a gran escala definieron el proceso de innovación dentro de la empresa y fueron considerados radicales por muchos. Somoroff propuso la creación de exposiciones, vídeos, publicaciones e instalaciones como forma de arte-entretenimiento, en lugar de utilizar los modelos clásicos del mensaje estratégico, lo que le convirtió en uno de los primeros artistas en potenciar la transición cultural de la publicidad al entretenimiento como mecanismo de venta contemporáneo. 

También consiguió resultados atractivos trasladando anualmente presupuestos de marketing (fiscalmente deducibles) hacia el arte, con el fin de aumentar los ingresos y a su vez incrementarla identificación con la marca; una opción actualmente natural y en desuso en esa epoca. Los resultados de sus numerosas innovaciones se vieron recompensados con un aumento significativo de los presupuestos anuales durante años.

The Red Sea, Kunst Station St. Peter, Colonia, Friedhelm Mennekes, 2008

Somoroff tuvo el honor de ser invitado a idear la exposición final del célebre comisario Friedhelm Mennekes, en la St. Peter Art Station de San Pedro, Colonia, Alemania. La escultura de tres pisos de altura y construida con miles de piezas de madera, fue visitada por varios miles de personas, culminando en una standing room para la conferencia de Somoroff en la Catedral de Colonia, justo antes de la misa de Pascua.

“Somoroff escenifica esta arcaica historia de creencia y duda, devoción y miedo, con humilde sencillez. Simples tablillas se amontonan para formar un poderoso coloso, una gigantesca ola que parece congelada, pero que podría derrumbarse en cualquier momento, arrastrando consigo toda la vida al negro lecho marino. Una escultura verdaderamente dramática, sobrecogedora, que suscita una nueva dimensión de la arquitectura del espacio en la iglesia”. –Kolner Stadt Anzeiger

Kolner Stadt Anzeiger

“Miles de piezas de madera partida forman una realización escultórica de la división del Mar Rojo que, con sus diez metros de largo, ocupa toda la nave central y, con sus doce metros de altura, sobrepasa las galerías. Los visitantes tienen oportunidad de atravesar el Mar Rojo por la estrecha brecha y entrar así en el mundo de la experiencia del pueblo de Israel, en el campo de tensión del creyente tal como se conoce en la tradición judeocristiana: entre el miedo y la esperanza, la duda y la creencia, la queja y la confesión.”

Thomas Brill, Bildjournelist.

Absence of Subject, August Sander y Michael Somoroff, con motivo de la Biennale de Venezia, 2011

En 2010 Somoroff terminó su obra Absence of Subject, que se expuso con motivo de la Biennale de Venecia de 2011. Fue la primera de este tipo que se expuso directamente en la Piazza San Marco. 

Absence of Subject, comenzó en el año 2000 como una forma de reconsiderar la obra en vida de August Sander, People of the 20th Century, una tipología de la raza humana iniciada en 1911. Somoroff tardó siete meses en completar la primera imagen y siete años en seleccionar cuarenta obras y luego extraer los sujetos a partir de las imágenes icónicas del maestro aleman. Al realizar la obra, Somoroff cuestionó sus propias conexiones con los sujetos de Sander; al eliminar a los protagonistas, figuras enigmáticas para Somoroff, reveló la fragilidad de la mortalidad. Absence of Subject es un ejercicio de apropiación, pero lo más asombroso es que se erige como un documento que refleja el desarrollo del arte en el siglo XX. 

Amber Terranova, en The New Yorker, lo calificó de “homenaje poco convencional” al legendario August Sander “. Absence of Subject ha recorrido numerosos museos de Europa y Estados Unidos. El conjunto del proyecto Absence of Subject, 40 fotografías en blanco y negro, 7 videoinstalaciones y un libro homónimo, fue adquirido por el Museum of Fine Arts de Houston, Texas, bajo la dirección de la mundialmente conocida comisaria de fotografía Anne Wilkes Tucker.

“…al ofrecer la comparación entre presencia y ausencia, Somoroff imita la experiencia de la pérdida, algo que rara vez se consigue a través de fotografías”.

Anne Wilkes Tucker

Vídeos de Giannina Braschi recitando, 2011

En 2011, Somoroff produjo una serie de vídeos cortos para el Instituto Cervantes de Nueva York de la poeta Giannina Braschi leyendo “Estados Unidos de Banana”, una obra de literatura postcolonial; El novelista Mircea Cartarescu se refirió a la obra maestra postmoderna de Braschi como “La mejor obra de arte sobre el 11 de septiembre que he experimentado.”

A Moment. Master Photographers: Portraits by Michael Somoroff, 2012

En 1978, Somoroff comenzó a retratar a veinticinco de sus héroes, mentores y leyendas de la fotografía analógica. Como asistente de muchos de los gigantes de este arte, asiduos del circulo de sus padres, estas sesiones fotográficas concedidas a Michael fueron profundamente personales, reflejando un respeto mutuo entre artistas. 

Casi 35 años después de la primera sesión, este conjunto histórico de obras se publicó en 2012 en el libro A Moment: Master Photographers, Portraits de Michael Somoroff (2012).

“En una serie de retratos evocadores, Somoroff nos muestra leyendas fotográficas cuyos nombres son más familiares que sus rostros, incluyendo figuras tan esquivas como André Kertész, Brassaï, Robert Doisneau, Arnold Newman, Horst y otros.”

American Photo Magazine

“Es extraordinario mirar a unos ojos que han dado forma a la manera en que hemos visto el siglo XX”.

Lucy Davies en The Telegraph

“El total de 30 fotografías de gran formato, en blanco y negro, hacen que también la inclusión del autorretrato de Michael Somoroff sea algo imprescindible”.

Stern

El libro fue aclamado como uno de los mejores libros de fotografía mundial del año 2012 (Pop Photo) y premio al mejor libro de fotografía del año por American Photographer.

Colecciones seleccionadas

La obra de Somoroff forma parte de colecciones de arte de todo el mundo, como las del Museum of Modern Art de Nueva York, el Museum of Fine Arts de Houston,Texas, el Smithsonian Institution de Washington D.C., el Museo Correr de Venecia y el International Center for Photography de Nueva York.

Publicaciones seleccionadas

• The Vegetables Series. International Center of Photography, 1985.
• Kinder in Europa. Nicolai, 1988 ISBN 9783875842227.
• The Vegetable Series, International Center of Photography, New York, 1985
• Image of the Not-Seen: Search for Understanding. The Rothko Chapel Art Series, 2005. ISBN 0945472048.
• Michael Somoroff: Illumination I, Rothko Chapel, Rothko Chapel Books, 2008. ISBN 9780979091605.
• Absence of Subject. Walter König, 2011. ISBN 978-0983615606.
• A Moment. Master Photographers, Portraits by Michael Somoroff. Damiani, 2012. ISBN 9788862082112.
• Two Crowns of The Egg. Michael Somoroff, Donald Kuspit, Giannina Braschi, Damiani, 2014. ISBN 9788862083539.
• The Eyes magazine special publication, Michael Somoroff, Absence of Subject, PhotoPlastik, 2014

Exposiciones seleccionadas

• 1978: Rizzoli International, Michael Somoroff, New York City
• 1980: The Vegetable Series, The International Center for Photography, New York City
• 1980: Photokina, Sixty years of Photography, Cologne, Germany
• 1985: The Vegetable Series, Olympus Galerie, Hamburg, Germany 
• 1985: Photokina, Modern Color Photography, curated by Manfred Heiting, Köln, Germany
• 1985: The Vegetable Series, Olympus Galerie, Amsterdam, Netherlands
• 1986: Frankfurt Kunstverein, Men Seeing Men, Frankfurt, Germany
• 1986: SOMOROFF: Moving Nudes, Perrain Gallerie, Paris, France
• 1994: AICP Exhibition (Association of Independant Commercials Producers) Los Angeles, County Museum of Art, Los Angeles, CA, USA. Detroit Institute of Art, Detroit, MI, USA.
• Museum of Contemporary Art, Chicago, IL, USA.
• High Museum of Art, Atlanta, Ga, USA.
• Honolulu Academy of Arts, Honolulu, HI, USA.
• State Museum of Technique and Design, Warsaw. Museum of Design and the ARCHA Theatre, Prague.
• State Gallery of Art, Sopot, Poland.
• Mucsarnok Palace of Art, Budapest.
• 1996: AICP Exhibiton (Association of Independant Commercials Producers)
• Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, CA, USA.
• The San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, CA, USA. Detroit Institute of Art, Detroit, MI, USA.
• Museum of Contemporary Art, Chicago, IL, USA.
• High Museum of Art, Atlanta, GA, USA.
• Honolulu Academy of Arts, Honolulu, HI, USA.
• State Museum of Technique and Design, Warsaw, Poland.
• Museum of Design and the ARCHA Theatre, Prague, Czech Republic. State Gallery of Art, Sopot, Poland.
• Mucsarnok Palace of Art, Budapest.
• 2003: “Consciousness and Process, The Digital in Sculpture, Photography, Animation.” Michael Rees & Michael Somoroff, Silvermine Guild Art Center, New Canaan, CT, USA.
• “Digital Consciousness, Michael Somoroff, Michael Rees” during Art Cologne Dieter Zeibig, K99, Köln, Germany
• “The Physics of Spirituality”, Westwood Gallery, Soho, New York City, USA.
• 2005: Touch and Temperament, Steve Sacks/Bitforms Gallery, ARCO, Madrid
• 2005: Integrating the Digital Consciousness, Art Houston, Houston, Texas, USA, Deborah Colton Gallery, in collaboration with Steven Sacks.
• 2005: Michael Rees, Michael Somoroff, Yael Kanarek & Manfred Mohr: Consciousness and Process, The Digital in Sculpture, Photography, Animation Deborah Colton Gallery, Houston, Texas
• ·2006: Illumination, Rothko Chapel, Houston, Texas, 2006; Illumination, The Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield, CT, 2007; BravinLee Programs, Chelsea, New York City, NY, 2007; Illumination, OMI International Art Center, Sculpture park, Ghent, NY, 2008-2012
• 2007: Vitamin W, The Wonder Factor, Newark, New Jersey, USA
• Abu Dhabi Art Fair, Collective Work, Abu Dhabi, Emirates Palace
• 2008: The Red Sea, Kunst-Station Sankt Peter, Köln, Germany
• 2008: Genesis, Video Animation during Easter Mass, Kunst-Station Sankt Peter, Köln, Germany
• 2008-2015: Illumination 1, OMI International Art Center, Sculpture park, Ghent, NY
• 2008: Absence of the Subject, Fotofest Houston, Offsite, Houston, Texas, 2008; 2011: Absense of Subject, Piazza San Marco, on the occasion of the Venice Biennale, Venice, Italy
• 2012: Tefillah 1, Art Basel, Galerie Thomas Schulte, Basel, Switzerland
• 2012: Absence of Subject, Villa Brandolini F4 Un’Idea di Fotografia, Solighetto-Treviso, Italy,
• 2012: Absence of Subject, Gallerie Image, Aarhus, Denmark
• 2012: Tefillah I, Galerie Thomas Schulte, Berlin, Germany
• 2013: Absence of Subject, Fondazione Stelline, Milan, Italy
• 2013: Absence of Subject, Centro de Arte la Regenta, Las Palmas de Gran Canaria, Spain
• 2013: Absence of Subject, Tenerife Espacio de las Artes, Tenerife, Spain, 
• 2013: Absence of Subject, Sala Municipal de Exposiciones de las Francesas, Valladolid, Spain
• 2013: Master Photographers, Galerie Julian Sander, Bonn, Germany, 
• 2013; Master Photographers, Fondazione Francesco Fabbri, Treviso, Italy,
• 2014: Portraits and Nudes, Paris Photo, Feroz Gallery, Paris, France
• 2014: Absence of Subject, Museo Nacional des Artes Visuales, Montevideo, Uruguay
• 2014: Absence of Subject, Encuentros Abiertos in Buenos Aires, Argentina
• 2014: Absence of Subject, Sirius Arts Centre, Cork, Ireland
• 2014: Absence of Subject, Benaki Museum, Athens, Greece
• 2014: Retrospective, MIA Art Fair, Milan, Italy
• 2014: Paris Photo Los Angeles, mixed collection, Julian sander Gallerie
• 2015: Absence of Subject, Villa Vauban, Luxembourg City Museum
• 2015: Absence of Subject, Ruth Leuchter gallery, Düsseldorf, Germany
• 2015: Master Photographers, ​Sol Mednick Gallery at the University of the Arts in Philadelphia
• 2015: Installation Video: Inauguration of the Wyss Zürich Translational Center ETH Zürich and University of Zürich
• 2021: Absence of Subject, UnSeen, Amsterdam, Netherlands

Premios

• 1987 Premio Kodak al mejor libro de fotografía del año, Kinder of Europe 
• 1994 Medalla de Oro de la Association of Independent Commercial Producers (AICP), Museum of Modern Art, New York, USA
• 1996 Association of Independent Commercial Producers (AICP) Gold Metal, Museum of Modern Art, New York, USA
• 1984-1985 Varios leones de Oro y Bronce, Cannes Lions International Festival of Creativity 
• 2012: Premio American Photo a los mejores libros de fotografía del año, A Moment. Master Photographers: Portraits by Michael Somoroff 
• Clio, Andy Awards,  CA Awards, Mobius Awards, Canadian Besse Award, New York Art Directors Club, Society of Publication Designers Award

Honores

• Artista residente oficial en el Wyss Translation Center de la Universidad de Zúrich y consultor de comunicación en colaboración con la ETH (Swiss Federal Institute of Technology).
• Director Ejecutivo de la New Light Foundation, Jerusalén, Israel
• Miembro de la Junta Directiva de Nueva York, The Sculptor’s Guild of America
• Miembro honorario del Comité Ejecutivo, Sculpture Center, Queens, Nueva York
• Miembro honorario del jurado del Director’s Guild of America Film Festival
• Miembro del Director’s Guild of America

Becas

• 1979: Eastman Kodak Co. – The Philharmonic Project
• 1979: Nikon Corporation, – The Philharmonic Project
• 1980: Spring Mills Corporation Installation

Colaboraciones editoriales

• Abschied von der Realität, por Joachim Koch, Rowohlt Verlag 1988
• 2006: You Should See Yourself, Jewish Identity in Post Modern American Culture por Vincent Brook, Rutgers University Press, 2006
• Art Kane por Jonathan Kane, Holly Anderson, Michael Somoroff, Peter Doggett
• Maripol Polaroids, por Maripol, por Michael Somoroff

Ferias de arte

Arco, Art Basil, Mia, The Armory, Paris Photo, Photokina, Photofest Houston, UnSeen Amsterdam 

Referencias

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